quinta-feira, março 06, 2014

Gil Vicente (Recife, 1958)

Suíte safada 15, 2006, nanquim sobre página de livro, 22,5 x 15,7 cm

GIL VICENTE Vasconcelos de Oliveira
Recife, 1958
Vive e trabalha em Recife

Estudou na Escolinha de Arte do Recife e nos ateliês de extensão da UFPE (1972-77). Em 1975 recebeu o 1º Prêmio do Salão dos Novos, no Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco. Em 1978 realizou sua primeira mostra individual na Galeria Abelardo Rodrigues, em Recife. Estudou em Paris com bolsa do Governo Francês (1980-81). Recebeu o Prêmio MEC/FUNARTE no Salão de Artes Plásticas de Pernambuco, em 1981. Participou da Bienal do Mercosul, da Bienal de São Paulo e do Panorama da Arte Brasileira. Realizou mostras individuais na extinta galeria Futuro 25, em Recife, e nos museus de arte moderna do Rio de Janeiro, da Bahia e do Recife (MAMAM). É representado pelas galerias Nara Roesler (São Paulo) e Mariana Moura (Recife), nas quais realizou suas exposições individuais mais recentes. Em 2008, em Madri, participou da mostra Brasil Arte Contemporânea, na Arco’08, e de “Contraditório”- Panorama da Arte Brasileira, na Sala Alcalá 31. Realiza a individual de pinturas Geometria adiada, na Galeria Mariana Moura, em Recife. Em 2009 participa da coletiva Nus, na Galeria Fortes Vilaça, em São Paulo, e expõe a série Inimigos no Atelier Subterrânea, em Porto Alegre.

Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


Robert Mapplethorpe (November 4, 1946, New York City – March 9, 1989, Boston, Massachusetts) was an American photographer, known for his sometimes controversial large-scale, highly stylized black and white photography. His work featured an array of subjects, including celebrity portraits, male and female nudes, and still-life images of flowers. His most controversial work is that of the underground bondage and sadomasochistic BDSM scene in the late 1960s and early 1970s of New York.

segunda-feira, março 03, 2014

Tom of Finland (1920 - 1991)


Touko Laaksonen, best known by his pseudonym Tom of Finland (8 May 1920 – 7 November 1991) was a Finnish artist notable for his stylized androerotic and fetish art and his influence on late twentieth century gay culture. He has been called the "most influential creator of gay pornographic images" by cultural historian Joseph W. Slade. Over the course of four decades he produced some 3500 illustrations, mostly featuring men with exaggerated primary and secondary sex traits with tight or partially removed clothing.

domingo, março 02, 2014

Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


Robert Mapplethorpe (1946 - 1989)


terça-feira, dezembro 03, 2013

Saul Leiter




Saul Leiter, le flâneur poétique de la Street Photography

Saul Leiter, le flâneur poétique de la Street Photography

Par Valérie Duponchelle

 

DISPARITION - New York perd un flâneur poétique, un érudit pétri de théologie et un homme profondément original: Saul Leiter (1923-2013). Portrait d'un peintre contrarié qui s'est servi de l'objectif comme d'un pinceau. Et souvenirs du galeriste de New York qui l'a redécouvert, Howard Greenberg, et d'Agnès Sire, directrice de la Fondation Cartier-Bresson qui l'a révélé à Paris.

Saul Leiter, le photographe américain de la rue new-yorkaise, des taxis au halo jaune, des néons à l'écho assourdi, des personnages posés dans l'ombre comme recadrés dans un tableau vide, est mort le mardi 26 novembre, à l'âge de 89 ans. La nouvelle a été confirmée au site The Eye of Photography par son découvreur Howard Greenberg, grand marchand de la photographie à New York dont le stand truffé de vintages est toujours un point fort de Paris Photo.

À la dernière édition de Paris Photo, ce photographe par défaut était bien là sur les cimaises du Grand Palais, désormais une valeur sûre. Émerveillement et humour comme un ciel de traîne caractérisaient les compositions abstraites de Saul Leiter (1923-2013). Ce modeste ou ce rétif à la surexposition est resté longtemps dans l'ombre quand la renommée célébrait déjà haut et fort William Eggleston, autre précurseur de la couleur et personnage du Vieux Sud à la William Faulkner pourtant apparu après dans les années 1970. Paris a découvert tardivement Saul Leiter mais avec passion, lorsque Agnès Sire, directrice de la Fondation Henri Cartier-Bresson, l'a exposé au printemps 2008 après un coup de cœur pour ses tirages en noir et blanc, à New York, chez Howard Greenberg.

L'harmonie sensible de Bonnard et de Vuillard

Destiné enfant à être rabbin, détaché de la religion à la fin de l'adolescence mais imprégné ad vitam aeternam de la culture juive et de ses écrits, Saul Leiter arpentait la rue avec son appareil photo ou plutôt musardait en artiste dans sa ville de New York. Se sentant peintre avant toute chose, il y puisait la matière première de ses images prises sur le vif, sujets classiques de la Street Photography mais à la tonalité singulière et au flou tendre. Dans ses rêveries humaines, se retrouvait son goût pour l'harmonie sensible de Bonnard et de Vuillard.

Des grands photographes que Saul Leiter admirait, Howard Greenberg son galeriste depuis 1993 ne peut citer aujourd'hui que deux noms, le photojournaliste américain William Eugene Smith (1918-1978) et le chroniqueur ultrasensible des Américains, le fort taiseux Robert Frank (né en 1924 à Zurich). La Fondation Henri-Cartier-Bresson a été la première surprise de l'engouement du public parisien pour cet inconnu de la photo américaine: record de fréquentation et file d'attente inédite au 2 Impasse Lebouis, dans le XIVe; un succès historique désormais attesté par une photo témoin dans le Livre d'or.

Solitaire, réputé farouche, voire «bougon, boudeur», Saul Leiter vivait dans son atelier de Downtown Manhattan, resté tel quel ou presque depuis la mort de sa compagne, Soames, il y a dix ans. Un désordre de peintre à la Lucian Freud plutôt que l'ordre mathématique d'un photographe à la Sebastião Salgado. Un contraste significatif qui a frappé la Française Agnès Sire, récidiviste des fonds inexplorés, qui a depuis exhumé le fonds du Chilien Sergio Larrain, coup de cœur exposé cet été aux Rencontres d'Arles et cet automne à la Fondation Henri-Cartier-Bresson. Après une première révélation à la Howard Gallery, cette ancienne de Magnum est allée frapper à la porte de l'artiste.

Redécouvert au milieu des années 1990

Fascinée, elle a plongé avec lui dans ses archives non classées pour mettre au jour la matière inédite de l'exposition parisienne. Saul Leiter aimait peu la presse, les exercices de promotion, les confidences sur ce qui n'était pas indispensable, dit-elle. Qu'importe! Le public découvrait un regard qui refusait toute influence et fut conquis par cette flânerie poétique où l'âme demeure. L'éditeur allemand Steidl lui consacra alors deux catalogues, l'un à son œuvre en couleur, la plus plaisante et accessible (Early Color de Saul Leiter par Martin Harrison, 2006) puis à son œuvre en noir et blanc totalement méconnue, la plus prisée des connaisseurs. Deux livres au premier tirage rapidement épuisé. Les éditions Actes Sud lui ont consacré à leur tour un Photo Poche, signe d'une consécration tardive.

La Fondation Cartier-Bresson présenta en bonne et due forme ce nouveau personnage. Voici donc Saul Leiter qui réalise ses premières photographies au début des années 1940 dans les rues de New York. Ce travail est montré au MoMA (Museum of Modern Art) en 1953 et 1957. Pendant 20 ans, il arpente les rues, mais son travail n'est redécouvert qu'au milieu des années 1990. Saul Leiter n'était pas voué à la photographie. Né à Pittsburgh en 1923, fils d'un rabbin renommé, brillant étudiant en théologie à Cleveland, il décide à 23 ans d'abandonner ses études et de s'installer à New York pour se consacrer à sa passion première, la peinture. Sous l'influence du peintre Richard Pousette-Dart, il s'intéresse à la photographie.

En 1947, après avoir vu l'exposition Cartier-Bresson au MoMA, il se veut photographe, se procure un Leica et flâne dans New York qu'il photographie en noir et blanc. En 1948, il se tourne vers la couleur. Il alternera désormais entre les deux supports. En 1953, le grand Steichen, alors conservateur en chef de la photographie au MoMA, sélectionne vingt-cinq de ses tirages noir et blanc pour l'exposition Always the Young Stranger, puis en 1957, intègre une vingtaine de ses images couleur pour une conférence qu'il donne au MoMA: Experimental Photography in Color.

Si ses photos de rue ont fait sa renommée malgré «son refus dédaigneux de se mettre en avant», Saul Leiter a œuvré longtemps en tant que photographe de mode, de ses débuts en 1953 dans son studio de Bleeker Street, au milieu des années 1980. En 1957, Henry Wolf, directeur artistique légendaire, publia pour la première fois ses images dans le magazine Esquire, puis dans Harper's Bazaar. Il devint dès lors l'un des grands photographes du milieu et travailla pour les magazines de mode les plus prestigieux.

Le point de vue de la fourmi

«S'il est vrai que les photographes de mode ont un coté touche-à-tout, Leiter est un touche-à-tout qui sait faire preuve de maîtrise et d'originalité dans chaque registre qu'il aborde, bousculant tour à tour les signes et les rituels du nu, du portrait, de la nature morte ou du reportage urbain», analyse Max Kozloff (Photo Poche). «De quel droit, par exemple, un détail aussi insignifiant que la semelle d'un brodequin ouvrier, photographiée du point de vue de la fourmi, en vient-il à investir tout le champ du cliché au détriment de toute l'animation du trottoir? (...) Plutôt qu'à des scènes, on est en fait confronté à des scénographies, à des décors avec personnages».

«Je l'ai découvert vraiment dans une petite exposition sur la New York School of Photography de Jane Livingston, curator de légende à la Corcoran Gallery of Art de Washington, il y a vingt ans», raconte au Figaro, Howard Greenberg, galeriste pour une fois au calme car en plein Thanksgiving Day. «Je connaissais ses photos par un livre avant de le rencontrer. Difficile? Non, pas vraiment, profond plutôt. Il était exactement comme dans le documentaire In No Great Hurry du cinéaste britannique Tomas Leach (2012). Le temps ne l'a pas changé. Il vivait dans son monde d'artiste dans lequel vous étiez invité à pénétrer.

Pas le genre à se soumettre à un jeu de questions et de réponses. Ou alors, il vous posait des questions pour savoir quelles étaient vos convictions, vos valeurs, vos croyances. Il aimait vous tester, vous titillait, mais ne rejetait pas vos idées après un vrai débat. Saul avait un profond intérêt pour l'humain, c'est ce que montrent ses photographies qu'il tirait lui-même. J'ai été ébloui par leur qualité, cette vision si poétique et émotionnelle du monde autour de lui».